Teatro Coreogr
áfico

 


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El teatro coreográfico, aunque similar a otras formulaciones, como danza-teatro, teatro corporal, teatro físico, teatro de imagen, se diferencia de éstas en su modo de sintetizar movimiento, voz y lenguaje, dándole especial importancia al valor de la palabra, pero sin que esta se coloque en posición de dominar la imagen teatral, sin que la puesta en escena sea solo una ilustración del texto.

La noción de corografía se refiere ante todo a la "grafía del coro": los gestos, motivos y diseños relacionales entre los miembros de un grupo. No requiere necesariamente una maestría especializada en danza o en movimiento. Tampoco se limita a un estilo de gesticulación. Busca mas bien las implicaciones del saber "hacer un gesto", la cualidad narrativa de una iniciativa, la señal de una motivación sicológica o mítica.

Resumiendo: Estallar y diseminar el contenido de los textos por redes gestuales; el lenguaje pierde su papel dominante y se convierte en cómplice de la imagen. Se trabaja la paradoja en vez de la ilustración : versiones, subversiones, incluso perversiones, se suceden en un juego de disociaciones. Imágenes complejas, en las que la voz cosecha la emoción.

Se trata de un trabajo de una poética muy rigurosa donde la coreografía va en contra de la libertad emotiva del actor: rompe la identificación con el texto por medio del movimiento. Al ser coaccionado a la no-ilustración se provoca que surja la emoción trágica, donde la voz es libre de aunar y de expresar toda la emoción de la contra-dicción.

Puntos importantes

· El grupo se descubre más importante que el individuo protagonista (el que tiene la palabra), porque éste se subordina siempre al conjunto, al grupo como paisaje, como CONTEXTO. Es el grupo el que marcará el camino hacia donde la improvisación se dirige. Estimulado o dirigido por el director.

· Trabajo con el caos: dentro del orden que se establece, los parámetros son cambiantes: el texto puede voltearse, romperse, pueden entrar a pié o a contra-pié.

· La disociación es fundamento del trabajo.

· Pedagogía del fracaso: hay que saber pasar por la pérdida para ir a otros lugares. El protagonista pierde, queda humillado, entra en 'depresión' trágica (como contrapunto al optimismo heróico de la 'expresion') para posteriormente y casi por casualidad lograr un éxito que se vierte en el equipo. DIMENSIÓN SICOLÓGICA IMPLACABLE de lo que los dioses significan, imponen, intentan, ...

· Escuchar a los otros es fundamental, al mundo, al propio texto como ajeno : dejar que lo externo deje su 'impresión' sobre nosotros: lograr escuchar objetivamente al mundo externo (y no solo a la propia necesidad de expresión subjetiva): dejarse impresionar y recibir emoción. Llegar incluso a un trabajo de 'represión', la prohibición como inhibición para cederle el paso el mundo.

· Mostrar el sueño no el soñador: al intérprete protagonista, sujeto que dice el texto, se le coloca en posición de "personaje trágico"; se le coloca en la posición jerárquica más baja del espectáculo... es el que pierde... Se encuentra amarrado, sometido a un destino trágico, está en situación de pérdida. Lo único que le queda, al concienciarse de esta ineluctable pérdida e injusticia, es darle voz a su rebeldía e inteligencia. Solo su voz es libre, y por ella surge la belleza de la dimensión trágica. La esencia de la tragedia está basada en unos valores fundamentalmente injustos desde el punto de vista humano, el humano sólo puede darle voz ética/política a la injusticia que está viviendo: es la REBELIÓN CONTRA LOS PODERES/DIOSES y siempre se PIERDE ante ellos: PERDER/DOBLEGARSE).

· Elaborar la noción de escucha negativa: poder escuchar un texto sin caer en la ilustración o en el énfasis del mismo.

· Desarrollar la noción de contra-dicción y de la paradoja movimiento/lenguaje.